Mujerencia | Bárbara Lee Rojas
De los Andes a Galicia, cuatro propuestas artísticas de mujeres jóvenes que reivindican sus identidades, cuestionan los estereotipos y amplían las posibilidades de construir una vida propia.
¿Qué significa ser mujer? La pregunta parece sencilla, pero las respuestas que la sociedad ha ofrecido a lo largo del tiempo han estado llenas de instrucciones: cómo debe verse un cuerpo, qué comportamientos se consideran femeninos, qué lugar corresponde a una mujer, qué tradiciones debe conservar y hasta qué sueños debería moderar. Frente a esos mandatos, algunas artistas jóvenes están abriendo otros espacios de conversación. No todas lo hacen desde un discurso feminista explícito ni comparten una misma estética o agenda. Sin embargo, sus canciones y trayectorias invitan a revisar quién define la feminidad y desde dónde construimos nuestra identidad.
Milena Warthon, Ñusta Picuasi, Sofía Isella y Tanxugueiras llegan desde contextos distintos. No forman un movimiento organizado. Lo que las conecta es la capacidad de dar nueva voz a experiencias femeninas, recuperar memorias, cuestionar representaciones y enriquecer la reflexión sobre las maneras de ser mujer. Su aporte no consiste en ofrecer un modelo alternativo que todas debamos seguir, sino en ensanchar el horizonte para que cada una pueda reconocerse y elegir.
En Perú, Milena Warthon encontró en el pop andino un lenguaje para expresar sus raíces y dialogar con el presente. Limeña, con raíces familiares en Apurímac y Áncash, fusiona sonidos contemporáneos con referencias culturales andinas. Con Warmisitay obtuvo la Gaviota de Plata en Viña del Mar 2023. La canción y su propuesta artística reivindican la identidad andina y ponen en cuestión los estereotipos que han reducido la belleza a determinados rasgos, cuerpos y orígenes. Warthon ha explicado que también le interesa abordar el empoderamiento femenino y las experiencias de mujeres racializadas. Su mensaje ensancha la idea de feminidad: lo andino puede ser actual, urbano, pop y global, sin pedir permiso ni renunciar a sus raíces.
Desde Otavalo, Ecuador, Ñusta Picuasi acerca el kichwa a públicos jóvenes y explora su camino como cantante y compositora. Su canción Vuela (Paway, en kichwa) propone un mensaje de amor propio y fuerza interior. No es una denuncia directa de los mandatos patriarcales; su aporte se encuentra en afirmar la capacidad de una mujer para reconocerse fuerte, confiar en sí misma y encontrar impulso para seguir adelante.
Su trayectoria también plantea preguntas sobre las expectativas que pesan sobre las mujeres indígenas: ¿por qué se espera que permanezcan dentro de una imagen fija de tradición? ¿Por qué no pueden explorar otros sonidos, escenarios y lenguajes sin que se ponga en duda su pertenencia? En su recorrido conviven arraigo y libertad de elección.
En una estética diferente, la estadounidense Sofía Isella utiliza el pop alternativo, la ironía y una imaginería inquietante para mirar de frente algunas contradicciones de la cultura contemporánea. En Everybody Supports Women cuestiona la solidaridad femenina cuando el apoyo proclamado convive con la descalificación y la rivalidad; en The Doll People pone en escena la cosificación y la presión para que las mujeres sean observadas, juzgadas y convertidas en objetos. Su propuesta incomoda porque devuelve al público imágenes reconocibles de la misoginia y de las expectativas que pesan sobre los cuerpos femeninos. Nos obliga a preguntar cuánto de lo que llamamos belleza o feminidad nace de una elección y cuánto de normas aprendidas.
Desde Galicia, Tanxugueiras —Aida Tarrío, Sabela Maneiro y Olaia Maneiro—actualizan la música tradicional gallega mediante la mezcla de cantos y sonoridades populares con ritmos contemporáneos. En canciones como Sorora y Seghadoras aparecen la sororidad y la memoria de las mujeres trabajadoras; su repertorio también reivindica la lengua y una tradición que generaciones de mujeres han transmitido. No presentan el folclore como una pieza inmóvil, sino como una herencia viva que puede transformarse. En esa operación hay una pregunta política y cultural: ¿quién tiene derecho a interpretar la tradición y decidir cómo continúa?
¿Qué explica que estas propuestas encuentren eco hoy? Las plataformas digitales han abierto caminos para que artistas con trayectorias y lenguas diversas alcancen públicos más amplios, aunque la visibilidad no esté garantizada ni sea igual para todas. A la vez, las conversaciones feministas han ampliado el debate: además de la igualdad de oportunidades, se cuestionan los mandatos sobre el cuerpo, la belleza, la sexualidad, la identidad, la memoria y la autonomía. La música puede hacer circular esas preguntas de una forma sensible y cercana, capaz de conectar experiencias personales con asuntos colectivos.
Conviene, no obstante, evitar idealizaciones. La viralidad no equivale por sí sola a transformación social, y el mercado puede convertir la diferencia en una etiqueta comercial. A las artistas se les exige autenticidad, pero también que sean fáciles de consumir; se celebra su identidad mientras se intenta delimitar qué parte de ella resulta atractiva. Estas creadoras no están fuera de esas tensiones: negocian con la industria, aprovechan sus plataformas y, a veces, las incomodan desde dentro.
Quizá ahí esté el punto de encuentro más fértil entre ellas. No se trata de que todas canten lo mismo ni de atribuirles un feminismo idéntico. Algunas denuncian directamente la cosificación o la misoginia; otras reivindican la autoestima, la lengua, las raíces y la libertad de explorar una identidad propia. En conjunto, dan nueva voz a
experiencias que enriquecen la reflexión social sobre la feminidad y muestran que no existe una única manera legítima de ser mujer.
Su contribución nos invita a recuperar una capacidad fundamental: la de gerenciar nuestra propia existencia. Decidir quiénes queremos ser, qué herencias deseamos conservar, cuáles queremos transformar, qué lugar damos a nuestro cuerpo, a nuestros deseos y a nuestros proyectos. No por conveniencia ajena ni por imposición social, sino desde la autonomía, las convicciones y la posibilidad de vivir de acuerdo con nuestra esencia.
Estas artistas no tienen la obligación de representar a todas las mujeres ni de convertirse en portavoces de una causa. Su libertad creativa también merece ser reconocida por sí misma. Pero al crear, recordar, cuestionar y proponer otros relatos, amplían el espacio de lo posible. Y tal vez ese sea uno de los gestos más transformadores del arte: ayudarnos a imaginar que nuestra vida no tiene que ajustarse a un guion escrito por otros.
